PROFITER DES JOIES CELESTES

Wir geniessen die himmlischen Freunden

Lorsque vient à Lucerne l’Orchestre royal du Concertgebouw d’Amsterdam dirigé par son nouveau chef Daniele Gatti, une sorte de joie céleste se propage dans l’auditoire. La sonorité de l’orchestre est incroyable et, si elle n’est jamais aussi belle que dans sa salle amstellodamoise, l’écrin qui lui offre le KKL de Lucerne la met superbement en valeur.

Haydn avait quitté le Versailles hongrois du Prince Esterhazy pour Vienne alors que les compositeurs viennois triomphaient à Paris. Marie-Antoinette, la fille de l’Impératrice Marie-Thérèse d’Autriche, avait épousé l’héritier de la couronne française et vivait sous les ors du premier Versailles. La Dauphine suivait, dans les années 1770, les cours du compositeur Christoph Wilibald Gluck et les pages de Haydn triomphaient à Paris. Son Stabat Mater lui valut notamment en 1781 de grands éloges ; trois ans plus tard, il venait donner au Concert de la Loge Olympique ses symphonies 82 à 87, connues depuis comme ses symphonies parisiennes. C’est alors que sont créées à Vienne Le Nozze di Figaro de Mozart, sur la pièce de Beaumarchais, les arts se croisant entre Paris et Vienne.

L’ours est la première des symphonies parisiennes ou plus exactement celle qui porte le premier des six numéros dans la liste officielle des œuvres de Haydn car l’ordre de composition n’est pas celui-ci, selon les cinq partitions dont les autographes subsistent encore. Ces pages acquirent rapidement une grande renommée et le finale de la symphonie 82 se vit en 1788 repris dans une pièce pour piano intitulée La danse de l’ours. La symphonie toute entière reprit alors le sobriquet qui lui reste aujourd’hui accolé au prétexte que le thème rugueux du finale ne pourrait être dansé que par un ours. De caractère martial dans l’ensemble mais avec un premier mouvement noté à 3/4 en contradiction avec le mètre usuel à la marche, elle peut donner effectivement cette impression d’une danse de l’ours. Notons encore que, dans l’Allegretto, la coda humoristique se retrouvera dans un mouvement d’une symphonie de Friedrich Witt au finale fondé sur l’air révolutionnaire Ah ça ira. Les pas de l’ours ne sont pas les seuls à être hésitants dans cette période prérévolutionnaire.

Ernest Ansermet avait coutume de dire qu’il était agréable de commencer un programme par une symphonie de Haydn, cela mettait tout le monde d’accord pour la suite. Il est vrai qu’au niveau d’interprétation proposé par le chef et l’orchestre dans ces premières pages de la soirée, nulle contestation ne pouvait surgir.

Kein weltlich’ Getümmel…

La symphonie de Haydn préfaçait les tourments révolutionnaires qui allaient rapidement détruire un monde pour offrir de nouvelles perspectives. Loin des tourments du monde tente également de se tenir Gustav Mahler dans les années 1899-1900, lorsqu’il compose sa Quatrième Symphonie. Durant les six étés précédents celui de 1899, Mahler avait consacré les deux premiers à sa Deuxième Symphonie, puis deux suivants à la Troisième. Devenu directeur de l’Opéra de Vienne, il s’était vu empêché de consacrer, durant les deux derniers, son temps à la composition. En 1899, c’est un retour au calme et à la création par une œuvre plus courte et plus légère que les deux précédentes. Son Lied Revelge, tiré toujours du recueil Des Knaben Wunderhorn, servira de simple mise en route.

Lebt alles in sanftester Ruh’

Tout vit dans un calme si doux. Cette symphonie de Mahler est la seule qui, de bout en bout, respire le bonheur, le calme, la joie de vivre, qui pourtant est née dans une période de mauvaise santé et d’angoisse concernant l’avenir de sa créativité. C’est de plus resté de son vivant la plus décriée, la moins comprise de ses œuvres. Après les précédentes, les musiciens et le public n’ont rien compris du style naïf considéré comme trop humoristique et superficiel pour des gens déjà habitué à la dimension titanesque du compositeur.

Dass alles für Freunden erwacht

Tout s’éveille aux plaisirs. Bien que Mahler ait voulu renoncer dès ces pages à toute forme de programme, ne voulant plus expliquer le sens de ses œuvres par des mots, il s’est néanmoins une dernière fois confié à leur sujet en déclarant avoir essayé de peindre le bleu uniforme du ciel, bien plus difficile à rendre que les teintes contrastées et changeantes de temps moins clairs. Ce bleu est « l’humeur de base de l’ensemble. Pourtant, à plusieurs reprises, elle s’assombrit et devient effrayante, fantomatique, sans que le ciel ne se couvre. Il reste éternellement bleu, mais c’est lui-même qui nous fait subitement peur : une terreur panique nous saisit, comme cela arrive parfois au jour le plus beau, dans une forêt splendide et pleine de lumière » (Henry-Louis de La Grange, Gustav Mahler, Fayard 1973, t. I, pp. 1055-1056).

L’Orchestre royal du Concertgebouw est un habitué de très longue date des symphonies de Mahler, lui qui a été dirigé par le compositeur dans la création de certaines de ses œuvres. Tous les chefs qui se sont succédé à sa direction ont laissé des interprétations de références de ces œuvres, souvent d’ailleurs des intégrales. A Lucerne, c'est Bernard Haitink qui a dirigé cette symphonie pour la première fois, le 17 août 1966, avec Irmgard Seefried, comme pour sa dernière apparition au programme avant ce soir, presque cinquante ans plus tard, les 14 et 15 août 2015, avec cette fois Anna Lucia Richter. Daniele Gatti s’annonce comme l’un des plus intéressants mahlériens à venir à la tête de cette phalange et la direction offerte ce soir, si elle inscrit cette symphonie dans la suite de celle de Haydn et lui consacre donc un caractère léger, heureux et bon vivant, n’en oublie pas pour autant la dimension terrifiante que la profondeur du ciel peut laisser entrevoir derrière la pâleur de ses bleus. Avec Chen Reis, le lied final était superbe, profond. Elle nous aidait à tourner définitivement le dos au monde enchanté de l’enfance pour aller, encore sereinement, regarder le drame de l’existence que dépeindront les symphonies suivantes. Nous avions profité, un soir durant, des joies célestes et ce n’est pas rien.

7 septembre 2017.